1981年，刚刚步入唱片界的法国音乐家让-米歇尔．雅尔（Jean Michel Jarre）以中法文化交流大使的身份来到刚刚开放的中国，在北京和上海举行了两场音乐会，那时候的中国还没有流行音乐，雅尔的音乐对当时的中国观众来说是一次超前的享受。22年后，当雅尔再次来到中国，他看到的是很多中国的音乐家像他当年一样在做着电子音乐。雅尔是一个在电子音乐节非常与众不同的音乐家，他把电子音乐的通俗与抽象完美地结合在一起，给听众带来最大限度的感官享受，他的音乐会往往能吸引最多的观众，他曾经创造了一场音乐会250万观众的世界纪录。他曾经出版过不少现场音乐会的唱片，在中国的那次音乐会后来制作成唱片和录像带在西方市场发行，通过这些影像，让很多西方人第一次了解到开放后的中国。这次，雅尔为明年在中国举办音乐再次来到中国，记者对他进行了专访。

22年前，你曾经来过中国，你现在能回忆一下当年来中国的情景么？
当时到中国演出就像是去月球演出一样不可思议，那时给我印象最深刻的是中国的观众对我的音乐是有反应的。演出区离观众区不远，我可以看到观众的表情，这是让我比较兴奋的事情。当时我的音乐在国外也是比较新的品种，对于刚刚开放的中国，观众能有这样的反应是我印象最深刻的。

你是学习古典音乐的，为什么后来选择电子音乐？
我是受过古典音乐的训练，在接触电子乐之前我也搞过一些摇滚乐队，同时在那个时期我也在学习绘画，当时电子乐的研究中心在巴黎，我在这个中心第一次接触到电子乐时就兴奋得不能自已，我觉得这种音乐可以像绘画混合颜色一样，也有点像厨艺，我可以把在绘画和厨艺方面的创意通过混合音频来实现，当时我就认为电子乐将来可以成为一种创作手段。

古典音乐对你后来的电子乐创作有哪些帮助？你的音乐和当时的Kraftwerk、Tangerine Dream这样的音乐有什么不同？
从音乐结构方面来说，电子乐还是来自古典音乐这一面，它不像流行音乐那样有歌词，流行音乐比较短，电子乐和古典音乐一样都比较长。我的音乐和Kraftwerk、Tangerine Dream最大区别在于这两支乐队在我眼里像机器狂人，他们的创作理念是尽量让机器搞创作，而人的因素尽量少，这是他们音乐的最大特点。我正好相反，就像画画不该停留在刷子上一样，应该尽量发挥作曲家作曲的这一部分，《氧气》在很多听众看来都不认为是电子音乐。

刚才你提到了你的第一张唱片《氧气》，这张唱片是在1976年录制的，我非常喜欢这张唱片，我很想知道你当初是怎么创作这张唱片的？
对我来说，《氧气》也是具有某种跨时代意义的唱片，我一点没有觉得《氧气》带有任何时髦色彩，虽然后来的专辑有了一些进化，但是《氧气》中的概念还是比较独特的。当时创作这张专辑时，就希望能够创作一张跨越古典音乐和电子乐，不太强调科技尖端色彩的专辑，而且和摇滚乐不同，不那么直接来自于体能和物质的东西，而是来自于流动的、从地上到空间的这种感觉的音乐。

1997年，你又出版了《氧气》（7-13），和20年前的《氧气》感觉上不一样，在后来的这张专辑里，你的概念又有了哪些变化？
最早的那张《氧气》本来就希望是一张很长的专辑，1997年的这张又回到了当初那张的故事线上，希望能通过数字化的设备延续当初的那张专辑，以实现当初没法达到的目的。第一张《氧气》当中也有一些环保的主题，当时的主题停留在人对自然的破坏和人对自然的污染上面，第二张《氧气》试图探讨污染是发自于人的本身，在人们的生活当中有太多的信息、影像、声音对人也是一种污染，我试图探讨这方面的环保问题。坦白地讲，现在再回头看，我不能确定第二张专辑的想法是不是个好主意。

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